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The displays are very sophisticated and beautiful. All permanent prints are also image-preserved along with color patches.

展示がとても洗練されていて美しい。永久保存されたプリントはすべてカラーパッチとともに画像保存もされています。

The exhibition that has collected the images of nature shows the embodiment of a world view that combines the philosophical traditions that unite with nature.

自然のイメージを集めたこの展覧会では、自然と一体化する哲学の伝統を組み合わせた世界観の具現化を見ることができます。

Photography as an art embodies the many forms and dimensions that characterize our understanding of beauty. From lush forests, majestic mountains and silent lakes to the crystal pattern of a snowflake, modern photography allows us to see nature in its most diverse manifestations. Landscape photography opens our eyes to the wonders that surround us and makes us think about the amazing beauty of the natural world.
The exhibition "Eternal Classics" demonstrates the continuity and interrelation of the classical traditions of printed graphics and landscape photography, based on the aesthetics of Shinto philosophy and the artistic forms of pictorial photography. Each of the authors represented in the exhibition, through their works, tries to realize, express and construct a special state of "gelassenheit", which allows to let go of existence and stay in silent uncertainty and mystery.
Familiarity with Japanese culture and Eastern spiritual practices was the beginning of the foundation and development of many directions in art and science of the second half of the XIX century, including philosophy and psychoanalysis, and all of them are primarily related to cognition (perception) of oneself and the surrounding world and are based on awareness, contemplation, and harmony.
In this exhibition, which brings together images of nature, we see the embodiment by the authors, born in different countries, of a worldview that combines the traditions of the philosophy of unity with nature. It is a search for a sense of balance and harmony, which the artists achieve with the help of the point of support they have created in the external world, which gives spiritual balance to the internal world.
In 1867, at the World Exhibition in Paris, the national pavilion of Japan, which had emerged from a long period of isolation, created a sensation and aroused European interest in Japanese culture. Collectors began a boom in ukiyo-e woodblock prints, known primarily for the works of Katsushika Hokusai and Utagawa Hiroshige.
The special compositional structure of a balanced and dynamic composition, reflected in the Japanese concept of "ma" ("space"), is the harmony of skillful arrangement of the drawing and empty space. In calligraphy, a sign of true mastery of ma is the ability to proportionally depict the parts of a character and position it in relation to the overall composition. In painting, ma is used as an open, unfilled space, in contrast to the Western tradition that required detailed elaboration of the entire canvas. Ma is manifested in music, dance, theater, and literature. The viewer or reader is a co-author - he or she must enter the ma space between each word and sound, comprehending the intent of the creator of the work and creating it anew with him or her.between each word and sound, comprehending the intent of the creator of the work and creating it anew with him or her.
The advent of digital photography, which stripped away the uniqueness of the particular frame and replaced the tradition of hand-printed photographic prints, seemed to have completely unified the possibilities of the resulting photographic prints. But it is precisely the opposition to global digitalization that has given rise to a new wave of appeal to unique authorial techniques, adapting to the classical standards of photographic landscape and the possibilities of new technologies.
Most of the authors of the exhibition are Japanese-born or artists who are in one way or another connected with the cultural traditions of the Land of the Rising Sun. Mariko Matsumoto, Hiroshi Harada, Shigeru Yoshida, present meditative landscapes that embody the important Japanese concept of "kiko" - human interaction with the natural environment and its influence on emotions, mood and inner harmony. Kiko implies a deep respect for nature, an engagement with its beauty and energy, and an understanding of one's place in the world.
Hiroaki Hasumi's Samadhi project is dedicated to the theme of enlightenment, concentration, and staying in a higher reality. "By capturing the transitory nature of life in my photographs, I feel an atmosphere of dignity," Koji Sasaki says of his work. Motoko Sato engages in color and monochrome photography, striving to express "the true colors of objects," that is, to convey "the visible and invisible states of things.”
Everett Kennedy Brown is exhibiting works from the Archaic Future series made in the Izumo region of Japan, the "land of the gods". This is where Izanagi and Izanami, the creators of the earth and the progenitors of gods and men, are said to have descended from heaven.
Contemporary works of artistic printed graphics, to which we can refer the photographs presented at the exhibition, are based on a direct appeal to the archaic subconscious, bypassing the narrative intellectual superstructure of consciousness. These works are imbued with inner calm and harmony and are intended for meditative contemplation of natural nature, denying the kitsch of artificial beauty, the cult of commercial consumption and the ambitions of the social world.

芸術としての写真は、私たちの美に対する理解を特徴づける様々な形態と次元を体現している。緑豊かな森、雄大な山々、静かな湖から雪の結晶模様まで、現代の写真は、最も多様な形で自然を見ることを可能にしている。風景写真は、私たちを取り巻く驚異に目を向けさせ、自然界の驚くべき美しさについて考えさせる。
「永遠の古典」展は、神道哲学の美学と絵画写真の芸術様式に基づく、プイントと風景写真の古典的伝統の連続性と相互関係を示すものである。この展覧会に出品された作家たちはそれぞれ、作品を通して、存在を手放し、静かな不安と神秘の中に留まることを可能にする「ゲラッセンハイト」(冷静、沈着)の特別な状態を実現、表現、構築しようとしている。
日本文化や東洋の精神修養に親しむことは、哲学や精神分析など、19世紀後半の芸術や科学における多くの方向性の基礎と発展の始まりであり、それらはすべて、主として自分自身や周囲の世界の認識（知覚）に関連し、気づき、観照に基づいている。
自然のイメージを集めたこの展覧会では、自然と一体化する哲学の伝統を組み合わせた世界観の具現化を見ることができる。それはバランスと調和の感覚の探求であり、アーティストたちは、外界に作り出した支点によって、内界に精神的なバランスを与えることでそれを達成する。
1867年、パリ万国博覧会で、長い鎖国状態から脱した日本のナショナル・パビリオンはセンセーションを巻き起こし、ヨーロッパ人の日本文化への関心を喚起した。コレクターの間では、主に北斎や歌川広重の作品で知られる浮世絵ブームが巻き起こった。
バランスの取れたダイナミックな構図の特別な構成は、日本の「間」の概念に反映されており、巧みな配置の描画と空の空間の調和である。書道では、「間」の真の熟達の証は、文字のパーツを比例して描写し、全体の構図との関係で配置する能力である。絵画では、「間」は、キャンバス全体を細部まで精巧に描くことを必要とした西洋の伝統とは対照的に、開かれた、満たされない空間として使われる。「間」は、音楽、舞踊、演劇、文学にも現れる。鑑賞者や読者は共作者であり、それぞれの言葉や音の間にある「間」の空間に入り込み、創作者の意図を理解し、創作者とともに新たに創造しなければならない。
デジタル写真の登場は、特定のフレームの独自性を削ぎ落とし、手刷りの写真プリントの伝統に取って代わったが、その結果、写真プリントの可能性は完全に統一されたように思われた。しかし、世界的なデジタル化への抵抗こそが、写真風景の古典的な基準と新技術の可能性を適応させた独自の作家技法への新たな言及の波を生んだのである。
この展覧会の作家のほとんどは、日本生まれか、日出ずる国の文化的伝統に何らかの形で関係しているアーティストである。吉田繁、升本真理子、日本の重要な概念である「自然環境と人間の相互作用、感情、気分、内面の調和への影響」を体現する瞑想的な風景画を発表している。自然への深い敬意、その美しさとエネルギーとの関わり、そして世界における自分の位置の理解を意味する。
蓮見浩明のSamadhiプロジェクトは、悟り、集中、より高い現実に留まることをテーマにしている。「人生のはかなさを写真に写すことで、凛とした空気を感じる」と佐々木浩二は自身の作品について語る。佐藤素子は、カラーとモノクロームの写真に取り組み、「モノの本当の色」を表現すること、つまり「モノの見える状態と見えない状態」を伝えることに努めている。
エヴェレット・ケネディ・ブラウンは、「神々の国」日本の出雲地方で制作されたアルカイック・フューチャー・シリーズの作品を展示する。この地は、地球の創造主であり、神々と人間の始祖であるイザナギとイザナミが天から降臨したとされる場所である。
本展で展示される写真もそのひとつだが、芸術的なプリント・グラフィックの現代作品は、意識の物語的な知的上部構造を迂回し、古風な潜在意識に直接訴えかけることに基づいている。これらの作品は、内なる平和と調和に包まれており、人工的な美のキッチュさ、商業的消費のカルト、社会的世界の野心を否定し、自然を瞑想的に観想することを目的としている。

Two works of art in homage to Katsushika Hokusai, created with photographs of SAMURAI FOTO members, were also in the collection.

SAMURAI FOTOメンバーの写真でコラージュした葛飾北斎へのオマージュ作品2点も収蔵されました。

Shigeru Yoshida

Mariko Masumoto

Hiroaki Hasumi

Motoko Sato

kouji Sasaki

Hiroshi Harada